罪恶的种子 - 中国Melodic Death Metal / Groove Metal乐队Blood of Life（生命之血）专访

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诞生于上海地下金属场景的Blood of Life，自2012年成立以来，一直探索Thrash Metal与Death Metal之间的力量边界。他们继承老派金属的攻击性与现场能量，同时不断融入属于自身时代的表达。从"Reign over Horror"到"Rebellious Joker"以及近年来的新作品，Blood of Life（生命之血）通过高速节奏、厚重音墙与黑暗叙事，展现属于金属音乐的反抗精神与生命力量。本次采访，我们将深入探讨乐队的发展历程、音乐哲学以及创作背后的精神世界。

（V: 代表笔者 B: 代表Blood of Life乐队）

采访对象：Blood of Life（生命之血）乐队

采访时间：2026.11.09

V: Blood of Life成立于2012年，当时中国金属音乐的发展正处于地下场景逐渐扩大的阶段。回顾乐队成立之初，你们受到哪些金属文化或乐队影响？是什么样的契机让你们决定组建一支属于自己的金属乐队？

B: 乐队最初是由我们的前任吉他手老韩主导成立的，当时我们受到欧美旋律死亡金属和律动金属的影响比较大，比如At the Gates、Entombed、In Flames、Lamb of God等。这些乐队不仅在旋律、节奏和力量感的结合上给了我们很多启发，也让我们意识到极端金属并不只是速度和侵略性的堆叠，同样可以拥有鲜明的旋律和丰富的情绪表达。当时正值中国地下金属场景逐渐发展起来的时期，上海也涌现了不少优秀的金属乐队。我们乐队成员都非常热爱金属乐，经常参加本地的拼盘演出，也会去看国外乐队的现场。大家因为相近的音乐品味和对金属乐的热爱走到了一起，后来逐渐形成了共同的创作目标，不只是演奏自己喜欢的音乐，也希望创作出真正属于自己的作品。

V: 从Black Sabbath、Judas Priest、Metallica等早期重金属，到Thrash Metal、Death Metal等极端金属的发展，金属音乐一直在不断突破边界。你们如何理解Blood of Life（生命之血）在金属历史中的位置？希望继承哪些传统，又希望突破哪些限制？

B: 金属乐发展至今已经有半个多世纪的历史，依然在不断演变，产生新的风格和表达方式。我们只是这条漫长音乐脉络中的一部分，也是无数金属乐爱好者中的一员。我们不会刻意给自己定位一个多特殊的历史位置，更重要的是想清楚自己为什么创作，以及希望通过音乐表达的内容。我们希望继承老派金属对于力量、技术、旋律和现场表现力的追求，同时也不满足于做既有风格的模仿者。对我们而言风格是一种基础，而不是限制。我们会从前辈乐队身上吸收养分，再结合自己的审美、经历和想法，尝试在旋律死亡金属的基础上形成我们独特的风格，同时我们并不认为突破传统就意味着必须抛弃传统。真正重要的是理解这些音乐为什么能够打动人，再用自己的理解和方式通过作品把它延续下去。

V: 上海拥有独特的地下音乐生态，从摇滚、朋克到金属都有自己的发展轨迹。作为上海金属乐队，你们认为这座城市给予Blood of Life（生命之血）怎样的影响？上海的文化环境是否塑造了你们音乐中的某些特点？

B: 首先，是上海这座城市及其相对活跃、多元的音乐环境，让来自不同背景、拥有不同经历的乐手有机会相聚。对于一支地下金属乐队来说，能够持续接触演出、认识其他乐队，并且与不同音乐背景的乐手交流，本身就是很重要的成长条件。上海的文化环境比较开放，我们有机会接触到不同国家和地区的音乐，也能在演出中与国内外的优秀乐手交流、同台。这些经历拓宽了我们的音乐视野，让我们在创作时不必局限于某一种固定的审美。

至于上海是否直接塑造了我们的音乐风格，我觉得很难简单地归纳成某种具体的声音。它更多影响的是我们的视野、交流方式以及对音乐的理解。我们希望自己的作品既扎根于中国地下金属场景，也能够跨越地域和语言的限制，与不同文化背景的听众产生共鸣。

V: “Blood of Life（生命之血）”这个名字本身具有强烈的象征意义。对于你们而言，“生命之血”代表什么？它更多是一种生命力量、痛苦经历，还是人与世界抗争的精神？

B: 对我们来说，Blood of Life首先代表的是对金属乐的热爱。这种热爱就躺在我们的血液里，它已经融入了我们的生活，成为了生命的一部分。金属乐不仅是我们喜欢的一种音乐，也是我们表达自己、理解世界的一种方式。这些年来，乐队经历过成员更迭，也遇到过各种现实困难，但我们始终没有停止演出和创作。人员可以发生变化，音乐方向也可以不断探索，但只要仍然有人愿意为这个项目投入时间和精力，Blood of Life所代表的理念就能够继续延续。所以生命之血既意味着生命本身的力量，也意味着一种不甘于平庸的自我表达。生活并不总是按照我们的意愿发展，但我们仍然可以通过创作和行动，决定自己如何面对现实。这种持续前进、不轻易放弃的精神，是这个名字对我们最重要的意义。

V: 金属音乐经常涉及黑暗、战争、死亡、社会矛盾以及人的内心冲突。但这些主题背后往往隐藏着对生命意义的思考。你们希望通过音乐传递怎样的价值观或精神态度？

B: 我们生活的世界并不完美。现实中存在冲突、不平等、欲望、失落和各种难以解决的问题，而这些也是我们创作灵感的重要来源。我们不希望刻意回避现实中的黑暗，而是试图通过音乐直面它们，表达自己的思考、挣扎和批判。在歌词创作中，我们也不满足于单纯描述暴力、死亡或者末世景象。以"Seed of Sin"相关作品为例，我们借助神话与幻想构建了一个虚构的世界，但其中涉及的权力、欲望、信念、牺牲和自由，都可以在现实生活中找到对应。一个人最初可能怀着理想去追求某种目标，但随着权力和欲望不断膨胀，最初的理想也可能逐渐变质，最终伤害自己原本想要保护的人。我们也关注人与自我之间的冲突。很多时候，真正限制我们的不仅是外部环境，还有自身的恐惧、执念和无法面对的部分。我们可能以为自己是在追求正义或拯救，却没有意识到自己的选择也可能制造新的伤害。我们希望音乐能够提供一个思考这些问题的空间，而不是直接告诉听众应该相信什么。每个人都可以从歌词和音乐中获得自己的理解。对我们而言，重要的不是假装自己已经找到了所有问题的答案，而是保持质疑、反思和行动的勇气。

B: 许多极端金属乐队并不是单纯描绘黑暗，而是在黑暗中寻找力量。Blood of Life（生命之血）如何看待“黑暗”和“希望”之间的关系？你们的音乐是否也是一种自我救赎或者精神释放？

B: 我们认为，黑暗与希望并不是绝对对立的两个概念。有时候，黑暗会吞噬希望，让人逐渐失去方向；但也正是在最艰难的处境中，人们才会重新审视自己真正珍视的东西，并寻找继续前进的理由。在"Seed of Sin"的叙事中，人物不断经历理想的破灭、失去、绝望，以及对自身命运的重新认识。故事并没有把希望描绘成一种轻易获得的救赎。很多时候，人物必须面对自己的错误、承认自身的局限，才能真正理解自由、责任和完整意味着什么。我们希望自己的音乐能够表达这种复杂的过程。希望并不一定意味着最终获得胜利，也不意味着所有痛苦都会消失。它更像是一种选择：即使已经看见世界的残酷，即使知道自己的努力未必会留下什么，也仍然愿意去面对、去行动，而不是完全屈服于绝望。对我们自己而言，创作和演出确实是一种精神释放。我们可以把现实生活中难以直接表达的情绪转化为音乐。但我们也希望这种表达能够超越个人情绪，与听众产生共鸣，让他们在自己的困境中找到某种理解或力量。

V: 你们的作品中经常体现史诗感、压迫感以及强烈的情绪张力。创作过程中，你们通常是先从一个思想、故事或者情绪出发，还是先通过乐器制造一种氛围，再寻找主题？

B: 这取决于每首作品的具体情况，没有固定的创作公式。有些作品是从几段吉他 Riff 开始的。某个节奏、旋律或者和声组合先给了我们灵感，随后我们会围绕这些素材继续发展，通过排练和讨论逐步形成完整的歌曲。创作过程中，歌曲原本的方向也可能发生变化，最终呈现的情绪和结构未必完全等同于最初的想法。另一些作品则是先有主题或概念，再根据希望表达的内容来决定音乐的走向。比如，当我们希望营造一种宏大、压迫或者充满悲剧感的氛围时，就会考虑节奏、和声、旋律以及段落之间的对比，看看怎样才能更准确地服务于这个主题。

我们也尝试过不同的创作路径，包括由主唱先创作纯钢琴曲，再由乐队将其改编成金属作品。对我们来说，创作过程本身就是不断尝试和调整的过程。最终的标准还是音乐本身是否成立，以及它是否真正表达了我们想要传递的情绪和内容。

V: "Reign over Horror"等作品展现了较强的黑暗幻想与末世氛围。在歌词创作方面，你们通常关注哪些主题？现实世界、人类心理，还是更加宏大的神话与幻想体系？

B: 这些不同的层面其实并不矛盾。我们既关注现实世界和人类心理，也会借助神话、幻想和虚构故事来构建更宏大的叙事。在"Seed of Sin"的创作中，我们设计了一个包含国王泰伦特、王后塞伦涅、王子乌鸦以及英雄伊利亚特等人物的幻想世界。故事涉及权力的膨胀、理想的破灭、欲望的侵蚀，以及不同信念之间无法回避的冲突。我们选择幻想的形式，并不是为了逃离现实，而是因为虚构世界能够让某些问题以更加集中和鲜明的方式呈现出来。当人物被放置在极端的处境中，他们的选择和矛盾就会变得更加清晰，而这些冲突又能够反过来映射现实生活。例如，"The Chosen"会让人思考权威和所谓的天命究竟从何而来；"Seed of Sin"关注欲望如何在追求光明的过程中逐渐扎根于黑暗；"Elegy for Tyrant"则涉及权力、战争、理想与代价之间的关系。而"Bhagavadgita"以及"Integrity"进一步将冲突引向自我认知：我们所憎恨的东西，是否也存在于自身之中？我们是否真的了解自己的动机？

因此，我们的歌词既有史诗和幻想的外壳，也有现实层面的投射。我们希望听众能够欣赏故事本身的戏剧性，同时也能在其中发现属于自己的理解。

V: 金属音乐不仅是一种声音，也是一种视觉和文化表达，包括专辑封面、舞台形象以及乐队名称。你们如何看待音乐之外的视觉艺术对于Blood of Life（生命之血）整体形象的重要性？

B: 我们认为视觉艺术对Blood of Life的整体表达非常重要。音乐能够通过声音传递情绪，而视觉艺术可以进一步建立作品的世界观，让听众在接触音乐之前，就对作品的氛围和主题形成直观感受。从上一张EP"Rebellious Joker"开始，我们就更加重视视觉层面的整体性，包括演出时成员着装风格的协调，以及单曲封面之间的视觉联系。我们希望这些元素不是彼此独立的装饰，而是共同构成乐队的整体表达。在"Seed of Sin"的诗集画册中，这种想法得到了进一步延伸。我们不仅呈现歌曲歌词，还通过原创诗歌、章节安排、人物叙事和绘画，将音乐背后的概念组织成一个完整的故事世界。画面中的红黑色调、扭曲的形体和具有压迫感的构图，也与音乐所表达的冲突、欲望和黑暗形成呼应。我们希望听众能够从不同入口进入这个世界：有人首先被音乐吸引，有人可能先注意到封面或绘画，也有人会进一步阅读歌词和故事。不同的媒介共同构成作品的完整体验，让音乐不只停留在听觉层面。

V: Blood of Life（生命之血）的音乐融合了Thrash Metal高速节奏与Death Metal的重量感。在编曲过程中，你们如何平衡速度、力量感以及旋律性？一首歌曲通常是如何从最初想法发展成完整作品的？

B: 我们认为速度、力量感和旋律性同样重要，对于我们希望创作的旋律死亡金属来说，这几个方面缺一不可。速度能够带来紧迫感和攻击性，厚重的节奏与音色则构成音乐的力量基础，而旋律能够让作品拥有更鲜明的辨识度，也让情绪的发展更加完整。如果只有速度和力量，音乐可能会失去层次；如果只有旋律，又可能无法充分表达我们希望呈现的侵略性和压迫感。因此，在编曲过程中，我们会有意识地处理不同段落之间的对比，包括节奏变化、Riff 的推进、主旋律的展开，以及不同乐器之间的配合。我们也会兼顾演奏的技术要求，但不会为了展示技巧而牺牲整体音乐性。歌曲的创作方式也并不完全相同。有些作品由吉他手提出Riff或初步构想，再经过编曲和乐队排练讨论，逐步发展成完整作品；也有一些作品是主唱先创作出纯钢琴曲，再由乐队重新编排成金属作品。我们甚至尝试过将原本的金属作品反向改编成钢琴弹唱形式。例如EP"Rebellious Joker"中的"Fantasy of Doomsday (Acoustic)"，就展示了同一首作品在不同编制下的另一种表达方式。一首歌真正重要的并不只是它采用了什么风格或编制，而是它的旋律、结构和核心表达在不同形式下能够继续成立，服务于我们想要表达的内容和情绪。

V: 吉他在金属音乐中承担着塑造攻击性和氛围的重要角色。你们在吉他 Riff 设计方面有哪些偏好？更注重复杂技巧、速度变化，还是通过简单但有冲击力的 Riff 制造记忆点？

B: 我们一直认为，技术应该为音乐性服务，而不是反过来。如果某个Riff或段落确实需要较高的演奏技巧才能实现我们想要的效果，那么即使练习难度很大，我们也会尽力把它做好。但如果一段音乐只是技术上复杂，却没有足够的表达力，那么单纯追求难度本身就没有太大意义。在我们的作品中既有编曲复杂、演奏技术要求较高的歌曲，也有刻意采用更直接、更简单的 Riff 来建立记忆点的尝试。复杂的编曲可以让音乐拥有丰富的细节和层次，而简洁有力的 Riff 则能够形成鲜明的节奏特征，让听众更容易抓住歌曲的核心。在创作中，我们不会预先规定每首歌必须采用哪一种方式，而是根据作品本身的需要来决定。对于我们来说，最理想的情况是技术、旋律和情绪能够相互服务，让听众既能感受到演奏的力量，也能真正记住音乐本身。

V: 鼓组和节奏是极端金属的重要基础。从快速双踩、Blast Beat到Groove段落，你们如何设计鼓与吉他的互动，让歌曲既保持冲击力又具有层次感？

B: 鼓和吉他之间并不是简单的伴奏与主奏关系，而是相互配合、彼此衬托的关系。鼓组既要为吉他Riff提供稳定的节奏基础，也可以通过不同的律动和重音设计，进一步强化Riff的攻击性和表现力。在具体编排中，我们会根据歌曲的情绪和结构来选择不同的节奏处理方式。快速双踩和Blast Beat可以营造紧迫、激烈的氛围，而Groove段落则能够通过更有弹性、更具重量感的律动，让音乐获得另一种冲击力。如果整首歌始终维持同样的速度和密度，即使演奏强度很高，也容易让听众产生疲劳。有时，鼓和吉他会紧密同步，通过整齐的重音和节奏切分形成直接的冲击；有时，鼓组也会利用过门、重音变化或者节奏上的留白，为吉他旋律创造空间，让歌曲的推进更有方向感。真正重要的不是技术本身有多复杂，而是它是否符合歌曲的情绪和结构。鼓与吉他之间既需要足够紧密的配合，也需要适当的对比和呼吸感。只有这样，音乐才能同时保有攻击性、重量感和层次。

V: 现代金属制作越来越重视音色塑造，包括吉他Tone、混音、母带以及整体动态。你们在录音制作过程中最关注哪些部分？希望听众首先感受到的是重量、清晰度，还是情绪？

B: 重量感和清晰度对我们来说都很重要。我们希望作品听起来足够饱满、有冲击力，同时又能够清楚呈现不同乐器的细节和编曲层次。

对于旋律死亡金属而言，吉他音色既需要足够的厚度和攻击性，也不能让复杂的 Riff 和主旋律完全被失真覆盖。鼓组需要有力量，尤其是底鼓和军鼓的冲击力，但也要与吉他和贝斯保持良好的平衡。贝斯则不仅是低频的补充，还应该帮助整体声音形成更加扎实的基础。同时我们也很重视不同段落之间的动态和情绪变化，如果所有部分都被处理得同样响亮、同样密集，那么歌曲原本的起伏和张力就可能受到影响。因此，我们希望制作能够服务于编曲，让音乐中的强弱变化、旋律推进和情绪转折得到充分表达。我们追求的不只是一个听起来很重的声音，而是一个既有冲击力、又能准确传达作品情绪的整体听感。重量感让音乐具有直接的力量，清晰度让听众能够理解其中的细节，而情绪则决定了这些声音最终能够留下什么。

V: 经过十余年的发展，Blood of Life（生命之血）经历了成员变化、音乐探索以及中国地下金属环境的发展。未来你们希望乐队走向怎样的方向？对于中国金属音乐的发展，你们又有哪些期待？

B: 我们希望Blood of Life能够一直延续下去。十多年来，乐队经历过不同阶段，也因为各种原因出现过成员更替。但我们逐渐意识到，一支乐队并不只由某一个固定阵容构成，它同样是一种持续发展的音乐理念和创作实践。

我们当然希望未来能够创作出更多、更好的作品，在保持自身音乐特点的基础上继续探索新的表达方式。无论是音乐本身、歌词主题，还是视觉艺术和作品概念，我们都希望能够不断进步，而不是重复过去已经完成的内容。

对于中国金属音乐的发展，我们希望有越来越多的乐队能够坚持原创，也希望地下金属场景拥有更加稳定、健康的演出环境，让乐队有更多机会进行创作、演出和交流。金属音乐的发展不仅需要乐队本身的努力，也需要演出场地、主办方、厂牌、媒体和乐迷共同参与。

我们也希望国内乐队能够有更多机会走向国际，与不同国家和地区的音乐人交流，让中国金属音乐被更多人听见。对Blood of Life来说，最重要的仍然是把眼前的作品做好，把这个项目继续坚持下去。我们不敢预言未来一定会走到哪里，但只要还有创作的动力，还有想表达的东西，我们就会继续前进，为中国金属音乐的发展尽自己的一份力量。